OS QUATRO PILARES DO BRITISH BLUES

         O QUARTETO FANTÁSTICO: JOHN MAYALL, 

ERIC CLAPTON, PETER GREEN & MICK TAYLOR

Londres foi a capital mundial do blues na década de 60, pelo menos é certo que de 1965 a 1969 quem queria se embebedar do blues britânico tinha que estar por lá, torcendo para esbarrar em figurinhas como John Mayall, Eric Clapton, Peter Green e Mick Taylor. Através deles é que os jovens ingleses descobriram o verdadeiro blues afro-americano que era incrivelmente ignorado pela juventude dos EUA, e como disse Muddy Waters certa vez, “eles tinham o blues no próprio quintal e não sabiam”, precisou que bandas inglesas invadissem o país com o seu “rock” que na verdade não passava de uma adaptação mais acelerada e ritmada do blues originário do Delta do Mississipi, para que os jovens americanos se voltassem para sua própria cultura. Pessoas apaixonadas pela música afro-americana como o inglês John Mayall, que era um expert e estudioso de blues, foram os principais responsáveis para a divulgação e sucesso do gênero pela Europa e pelo resto do mundo. John Mayall nascido em 1935 na cidade de Manchester na Inglaterra, foi o fundador dos Bluesbreakers em 1963, banda que se especializou em tocar blues e em revelar grandes músicos, como o baixista John Mcvie, o baterista Ansley Dunbar e simplesmente os guitarristas Eric Clapton, Peter Green e Mick Taylor. John Mayall era e ainda é um multi-instrumentista, toca piano, harmônica, guitarra, baixo e bateria, e apesar de não ser um especialista em nenhum deles, sempre foi respeitado pelos jovens músicos que ingressavam no Bluesbreakers, pois eles sabiam que John Mayall, tinha um conhecimento incomum sobre música, principalmente sobre blues e além disso fazia arranjos, compunha, produzia e tinha um vocal diferenciado e marcante, sem falar do seu carisma e capacidade de liderança. A fase de ouro do blues britânico foi carimbada pelo lançamento de quatro álbuns básicos e essenciais para qualquer um metido a blueseiro ou rockeiro ter na estante. São eles:
- John Mayall And The Bluesbreakers – With Eric Clapton – Deram/1966
- John Mayall And The Bluesbreakers – A Hard Road (com Peter Green) – London/1967
- Peter Green’s Fleetwood Mac – Peter Green’s Fleetwood Mac (com Jeremy Spencer) – Epic/1967
- John Mayall And The Bluesbreakers – Crusade (Com Mick Taylor) – London/1967
O álbum Bluesbreakers – John Mayall With Eric Clapton foi lançado em 1966. Os músicos integrantes dos Bluesbrakers eram o líder John Mayall, vocal, piano, orgão e harmônica; John Mcvie, baixo elétrico; Hughie Flint, bateria e o jovem e promissor Eric Clapton (nascido em 30/03/1945) na guitarra e vocal, recém saído do Yardbirds e classificado como “deus” pelos fãs na época; e quem presenciou suas performances afirmam que ele realmente chegou perto disso. As faixas desse clássico que mais se destacaram foram : “All your Love”, “Hideaway”, “Little Girl”, “Have You Heard” e “Ramblin’ On My Mind”.
O trabalho seguinte do John Mayall’s Bluesbreakers era simplesmente A Hard Road, lançado em 1967. Ora, a saída de Eric Clapton após o sucesso do álbum anterior foi dolorosa para os fãs dos Bluesbreakers, e deveria ser desesperadora para Mayall, só que ele tinha um trunfo guardado. O nome dele era Peter Green (nascido em 29/10/1946), jovem guitarrista, admirador do trabalho de Eric Clapton, mas que desenvolveu um estilo próprio, baseado em B. B. King, e Hank Marvin, guitarrista do Shadows. Os outros integrantes do Bluesbreakers eram John Mayall no vocal, piano, orgão, harmônica e guitarra; John Mcvie no baixo elétrico e Ansley Dunbar na bateria. O disco para alguns superou o anterior com Eric Clapton, e eu concordo, mas foi por pouca coisa. Mas há controvérsias. As faixas que se destacaram neste trabalho foram: “A Hard Road”, “You Don’t Love Me”, “The Stumble”, “Another Kinda Love”, “The Same Way”, The Super-Natural” e “Someday After a While ( You’ll Be Sorry)”.
O próximo disco ainda era com Peter Green, mas no Fleetwood Mac, banda que formou com o baixista John Mcvie após abandonarem John Mayall. Olha a sina de Mayall, parece que os caras passavam pelos bluesbreakers para um breve e proveitoso estágio absorvendo um pouco do conhecimento do mestre para então partir em busca da própria realização como músico de blues. Peter Green adota sua banda como Mayall fazia com os Bluesbreakers, dirige o trabalho mas libera a criatividade dos outros músicos, como a do jovem e excelente guitarrista slide Jeremy Spencer (fanático pelo bluesman Elmore James) que praticamente divide as performances com Peter Green. O Peter Green’s Fleetwood Mac era formado até então por Peter Green, vocais, guitarra, harmônica; Jeremy Spencer, vocais, guitarra slide, piano; John Mcvie, baixo; e Mick Fleetwood, bateria. As faixas que mais se destacam são: “My Heart Beat Like A Hammer”, “Merry Go Round”, “Long Grey Mare”, “Looking For Somebody”, “No Place To Go”, “I Loved Antoher Woman” e “Got To Move”.
O quarto disco volta a ser dos Bluesbreakers do John Mayall, agora com o guitarrista também muito jovem que substituiu Peter Green, nada menos que Mick Taylor (nascido em 17/01/1948). O disco é o Crusade, também de 1967. Neste participaram John Mayall, vocal, piano, orgão, guitarra; John Mcvie, baixo elétrico (que logo sairia para o Fleetwood Mac); Keef Hartley, bateria; e o talentoso Mick Taylor, guitarra solo - Taylor substituiria Brian Jones nos Rolling Stones em 1969. As faixas que mais se destacaram neste álbum foram: “Oh, Pretty Woman”, “My Time After While”, “Tears In My Eyes”, “The Death Of J. B. Lenoir”, “I Can’t Quit You Baby” e “Streamline”.
Os quatro discos citados ao meu ver foram os pilares do blues britânico, “fizeram a cabeça” de jovens aspirantes a roqueiros na Europa e EUA, influenciando muitos músicos que já estavam na estrada e o mais importante é que popularizou o blues, resgatando velhos mestres do estilo escondidos no Delta do Mississipi dando-lhes uma chance de mostrarem sua arte ainda em vida, já que uma boa parte deles, já falecidos, só poderiam ser apreciados em raros discos de vinil de algum colecionador cuidadoso.
 
Por Eumário J. Teixeira.

CARTOLA - SAMBA E POESIA

Se o senhor Angenor de Oliveira por um capricho do destino tivesse nascido nos Estados Unidos da América, certamente teria sido um bluesman e dos bons. E talvez teria melhor sorte e reconhecimento, apesar de que a maioria deles só foram reconhecidos mesmo após a derradeira viagem sem volta. O mestre foi autor de pérolas como a belíssima “O Mundo é Um Moinho” (samba favorito de Carlos Drummond de Andrade), “Preciso Me Encontrar” e “Acontece”, que ao meu ver são de uma sensibilidade e dor comparáveis a um lamento de blues oriundas do Delta do Mississipi. 

Cartola, mais que um sambista, um poeta

Mas Cartola nasceu no Brasil, mais precisamente no Rio de Janeiro em 11 de outubro de 1908 num domingo de primavera. Foi o quarto filho de um total de sete e sempre demonstrou desde criança seu gosto pelo carnaval. Passou sua infância no bairro de Laranjeiras, mas 11 anos mudou-se junto com a família para o Morro da Mangueira pois passavam por apuros financeiros. Cartola concluiu apenas o primário na escola e talvez por isso sempre teve dificuldades para arranjar um emprego formal, sobrevivendo através de bicos como pedreiro, pintor de paredes, lavador de carros, vigia de prédio e contínuo de repartição pública. Foi num bico como pedreiro que ganhou seu apelido, "Cartola". Quando trabalhava com cimento estava sempre sujando os cabelos, o que o desagradava bastante pois ele era muito vaidoso. Decidiu então a sempre usar um chapéu coco, assim seus cabelos estavam protegidos do cimento. Os companheiros da obra então o apelidaram de Cartola. 

Cartola, 1976 - O Mundo é um Moinho, As Rosas não falam...

Quando sua mãe, Dona Aída, falece prematuramente, seu pai que era um rigoroso disciplinador o expulsa de casa aos dezessete anos de idade. A partir daí a vida do jovem Cartola torna-se ainda mais desregrada, envolvendo-se com todo tipo de mulheres, adoecendo com gravidade, chegando a ter que deixar o emprego. Mas com o apoio de amigos fiéis se cura e volta para a luta passando a compor e vender sambas, como fazia o também compositor e amigo íntimo, Noel Rosa. O primeiro que compôs para venda foi “Que Infeliz Sorte”, de 1927, ao preço de 300 contos de réis, sendo este gravado por Francisco Alves. Na década de 1920, os blocos de carnaval começaram a se organizar em forma de sociedades permanentes, e assim em 28 de abril de 1928, Cartola se reune na casa de Euclides da Joana Velha, com Saturnino Gonçalves, Marcelino José Claudino, Pedro Caim e Abelardo da Bolinha e Zé Espinguela e fundam a Escola de Samba Estação Primeira de Mangueira. As cores verde e rosa e o nome da escola foram escolhas de Cartola. A escolha das cores foi uma homenagem ao seu amado Fluminense, clube de futebol do Rio de Janeiro que utiliza-se de combinações mais sóbrias das mesmas cores (grená, verde escuro e branco). Já no primeiro desfile com o samba enredo “Chega de Demanda” de Cartola, a Mangueira ganha seu primeiro prêmio de carnaval, desfilando na Praça Onze. 

Cartola, nosso samba-man, em frente ao Zicartola

Mas quando tudo parecia estar bem para Cartola e a Mangueira, ocorrem divergências com a direção da Escola e o mestre permanece afastado dos desfiles de 1949 a 1977. Ele afirmava que os diretores da Escola haviam reduzido a Escola num reduto político e eleitoreiro. Contrariado, Cartola se muda para a Baixada Fluminense e as coisas se agravam ainda mais, sua companheira falece e ele contrai meningite. Nos anos 50, o jornalista Sérgio Porto o descobre lavando carros anonimamente, num posto em Ipanema e o relança como compositor e cantor. Com a saúde restabelecida, Cartola volta para o morro da mangueira em 1952 e conhece dona Euzébia Silva do Nascimento, conhecida por Dona Zica, que era irmã da esposa de Carlos Cachaça, compadre de Cartola. Cartola e Dona Zica se casam em 1964, depois de viverem juntos por doze anos. Certamente o convívio com Dona Zica inspirou Cartola a compor obras primas como “As Rosas Não Falam”, “Nós Dois”, “Tive Sim” e “O Sol Nascerá”. Ainda nos anos 60 Cartola, Dona Zica fundam o botequim Zicartola, que se estabelece como um ponto de encontros de grandes sambistas como também de onde surgiriam novos talentos. Por incrível que pareça Cartola só grava seu primeiro disco em 1974, denominado simplesmente de Cartola e em 1976 grava o seguinte; mas em 30 de novembro de 1980 falece vitimado por um câncer no Rio de Janeiro, aos 65 anos e como no seu nascimento, num domingo de primavera. 

Verde que te quero Rosa, 1977

Por ironia do destino, apesar do seu sucesso como autor de inúmeros sambas consagrados, morreu pobre numa casa em jacarepaguá, que foi doada pela Prefeitura do Rio de Janeiro. E pensar que hoje em dia qualquer um pode se tornar “celebridade” e ganhar fortunas com a gravação de um único hit de veraneio descartável, com o apoio compassivo e comprometedor da mídia em geral.

Albúns gravados pelo mestre Cartola e que são indispensáveis para quem quer conhecer a beleza da verdadeira poesia do samba:

- Cartola (1974)
- Cartola (1976)
- Verde Que Te Quero Rosa (1977)
- Cartola 70 Anos (1978)
- Cartola Ao Vivo (1982) 

Eis link do clip do cartola no you tube cantando a belíssima "O Mundo é um Moinho" para seu pai: 

http://www.youtube.com/watch?v=L8U1Y9PBfig

Por Eumário José Teixeira.

FREDDIE KING, THE TEXAS CANNONBALL

Freddy King ou Freddie King, apelidado The Texas Cannonball, em referência a uma locomotiva famosa do Texas, vinha de uma geração que revitalizou o blues, influenciado por dois outros kings já consagrados, B. B. e Albert. Seu blues cheio de swing e feeling era um convite para dançar e se emocionar.

Freddie King

Batizado Frederick King nasceu na cidade de Gilmer, Texas, em 3 de setembro de 1934. Ainda quando criança iniciou-se na guitarrra com seu tio Leon King. Adolescente deixa a cidade natal e parte para tentar a sorte em Chigago como guitarrista, como faziam a maioria dos pretendentes a bluesman. Tornou-se profissional já aos 19 anos e tocou nas bandas de Little Sonny Cooper e Earl Payton nos mais famosos clubes da cidade, e participou das gravações dos consagrados Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Memphis Slim e Little Walter, adquirindo experiência e respeito pelos colegas de profissão. Finalmente notado, foi convidado pela gravadora The Bee, gravou seu primeiro single com as faixas "Country Boy" e "That’s What You Think" em 1956. Em 1960 o produtor, compositor e pianista Sonny Thompson, futuro parceiro de composições, consegue um contrato para Freddie com a gravadora Federal/King de Cincinatti. Lá Freddie grava seus primeiros sucessos como "Have You Ever Loved A Woman"; "You’ve Got To Love Her With A Feeling"; e a famosa faixa instrumental "Hideway' que se tornou o cartão de apresentação de Freddy, que formulou um estilo próprio de música instrumental, obtendo bons resultados; destacando-se além de "Hideaway", "San-Ho-Zay', "Sen-Sa-Shun", "The Stumble", "In The Open", "Texas Oil" e "High Rise". Em 1963, não conseguindo o retorno merecido até então pelo seu trabalho, Freddie retorna ao Texas, precisamente para Dallas. Lá continuou com suas apresentações regulares e chegou a gravar com o guitarrista Lonnie Mack. 

Um dos três "kings" do blues

Devido a problemas particulares não esclarecidos se ausentou dos palcos e estúdios e reaparece em 1966 pela gravadora Cottilion de Atlantic City, onde gravou os discos Freddie King Is A Blues e My Feeling For The Blues, este último com arranjos de Don Hathaway e ambos produzidos por King Curtis. No início dos anos 70 o músico e produtor Leon Russell, ao assistir suas apresentações na cidade de Austin, lhe ofereceu um contrato com sua gravadora Shelter onde Freddie realizou bons trabalhos: Getting Ready (1971); Texas Cannonball (1972) e Woman Across The River (1973). Freddie ainda insatisfeito, parte para apresentações pela Europa, turnê pela Alemanha; Montreaux, na Suiça e Antibes, na França. Com a ajuda do amigo Eric Clapton, entra para gravadora Polydor, onde gravaria os seus últimos registros oficiais Burglar (1974) e Larger Than Life (1975). Em 31 de julho de 1976, em um encontro histórico, dividiu o palco com Clapton no Crystal Palace Garden Party. Mas o que não se sabia era que a saúde de Freddie já era bastante frágil por causas de complicações hepáticas e problemas provocados por uma flebite. Consequentemente, em 28 de dezembro de 1976 em Dallas no Texas, sofreu um ataque cardíaco, foi levado às pressas para o hospital, mas não resistiu e faleceu de modo precoce aos 42 anos.

The Texas Cannonball

A influência de Freddie King nas bandas de rock e de rhythm & blues inglesas é inquestionável. Os Bluesbreakers de John Mayall gravaram em 1966, o tema "Hideaway" na versão do então jovem Eric Clapton; em 1967 já com o excelente Peter Green substituindo Clapton na guitarra, fizeram uma maravilhosa versão da instrumental "The Stumble" e de "Someday After A While (You’ll Be Sorry)". Stevie Ray Vaughan em 1980, fez uma excelente versão da instrumental "In The Open", no disco ao vivo In The Beginning. Clapton nos anos 90 fez excelentes versões de "I’m Tore Down" e "Someday After A While" para o premiado CD From The Craddle (1997).  

De Freddie King confira: Just Pickin’ (2 Cds em 1: Let’s Hide Away and Dance Away With... e A Bonanza Of Instrumentals - King) ; Hideaway – The Best Of Freddy King (King/Rhino) ; My Feeeling For The Blues (Cottilion); Getting Ready e Texas Cannonball (Shelter); e escute de John Mayall o cd In The Palace Of The King (2007), dedicado ao guitarrista texano.

Capas dos albuns de Freddie King

Aí está um link do you tube onde se pode curtir Freddie King detonando "Goin' Down": http://www.youtube.com/watch?v=BHXKlNP4-Aw

 

Por Eumário José Teixeira.

QUINTETO VIOLADO & BANDA DE PAU E CORDA

Duas Bandas pernambucanas foram essenciais para o reavivamento da música regional e tradicional do nordeste brasileiro no início dos anos 70: Quinteto Violado e Banda de pau e Corda.

O Quinteto Violado, formado no Recife em 1970, era essencialmente um conjunto instrumental e vocal que interpretava temas nordestinos, começando a se destacar inicialmente pelas versões bem diferenciadas de alguns sucessos de Luiz Gonzaga, como também exploravam temas do rico folclore brasileiro.

A Banda de Pau e Corda surgida em 1972, tinha praticamente a mesma proposta, que era explorar a cultura nordestina através de uma combinação de música instrumental com um trabalho vocal harmonioso; sendo que logo cativaram a simpatia dos jovens universitários do Recife, como também da crítica especializada do nordeste.

O Quinteto Violado na década de 1970

O Quinteto Violado tinha na formação original Toinho (Antônio Alves), canto e baixo acústico; Marcelo (Marcelo de Vasconcelos Cavalcante Melo), canto, viola e violão; Fernando Filizola; Luciano (Luciano Lira Pimentel), percussão, e Sando (Alexandre Johnson dos Anjos), flautista. Em outubro de 1971, quando se apresentaram no Teatro da Nova Jerusalém (Fazenda Nova, PE), seus integrantes foram chamados de "os violados", nascendo dai o Quinteto Violado. Foram elogiados e apoiados na época por ninguém menos que Luiz Gonzaga, o “rei do baião” e muito recomendados às gravadoras por Gilberto Gil e Caetano Veloso, líderes do movimento que ficou conhecido como Tropicalismo, mas que não tinha nada a ver com a proposta da banda pernambucana que oferecia um som alternativo para o jovens de espírito nacionalista que não estavam aceitando mais a influência estrangeira do rock & roll.

A Banda de Pau e Corda

A formação original da banda era Waltinho (Oswalter Martins de Andrade Filho), violão e voz; Paulo Cirandeiro (Paulo Fernando), viola e vocal; Paulinho (Paulo Sérgio Guadagnano Resende Braga), contrabaixo; Matias, flauta; Roberto Rabelo de Andrade, bateria e percussão; Sérgio Rabelo de Andrade, percussão e voz; Netinho (José Severino de Oliveira Neto), viola; Beto Johnson (Alberto Johnson da Silva), flauta, e Zezinho Franco, baixo, voz, arranjos. 

É impossível apagar da mente canções da Banda de Pau e Corda como Lampião; Flor d’àgua; Vida de Vaqueiro; Vivência, etc. Foi uma época de ouro para a MPB, pois as duas bandas pernambucanas provaram para o resto do país que o nordeste tinha muito mais em termos de cultura além das histórias de Lampião e Maria Bonita e dos milagres do “santin padim” Cícero.

O mais interessante das duas bandas era que eram compostas por jovens músicos abnegados pela sua cultura regional, que não estavam nem aí para o estrelato e não se deixaram levar por modismos ou pressões das grandes gravadoras, preservando a pureza de um som que hoje em dia, se torna cada vez mais difícil se ouvir, pois a ordem nacional ou mesmo mundial é promover o descartável.

Conjuntos como estes, antes populares, hoje são classificados como “bandas de folk-jazz brasileiras” pelos gringos que sabem muito bem o que é música de qualidade. Não é a toa que o Quinteto Violado fez tantas excursões pelo mundo.

A saudosa Banda de Pau e Corda

Há pouco escutei o elogiado album “Will The Circle Be Unbroken” da banda country norte-americana The Nitty Gritty Dirt Band, formada em 1966 por Jeff Hanna e Jimmie Fadden. É incrível a fidelidade, o amor e trabalho que tiveram pela verdadeira country music. Como o Quinteto Violado e a Banda de Pau de Corda, os jovens norte-americanos mantinham aquele som tradicional e de qualidade excepcional contrariando toda uma tendência imposta na época hippie e foram reconhecidos por isso, sendo ovacionados até hoje. Mas aqui é diferente, não sabemos reconhecer e valorizar o que temos de melhor, ou pensando bem, sabemos valorizar sim, desde que seja lixo! E dá-lhe lambadeiros, rap-funkeiros, berranejos, latineiros, axés e afoxés timbaleiros.

O quinteto e a banda continuaram com suas atividades regularmente até o final dos anos 90 e atualmente mesmo com consideráveis desfalques no plantel original, ambos os grupos lançam novos trabalhos, se apresentam em grandes eventos pelo Brasil e fazem excursões ao exterior. Para finalizar, se você se interessar pelo som dos caras eu recomendo todos os álbuns, mas aqui cito apenas alguns lançados pelos “cabras da peste” do Pernambuco :

Do Quinteto Violado (www.quintetoviolado.com.br)

- Asa Branca (1972)
- Berra-Boi ( 1973)
- A Feira (1974)
- Missa do Vaqueiro (1976)
- Até a Amazônia (1978)

Da Banda de Pau e Corda (www.bandadepauecorda.com.br)

- Vivência (1973)
- Redenção (1974)
- Assim, Amém (1976)
- Arruar (1978)
- Pelas Ruas do Recife (1979) 

Eis o link do you tube onde a Banda de Pau e Corda canta "Esperança":

http://www.youtube.com/watch?v=BXdbA-Y3vxE

e o Quinteto Violado com a música "Beira de Estrada":

http://www.youtube.com/watch?v=0qaMHff5adQ
 
Por Eumário José Teixeira.

DANNY WHITTEN & CRAZY HORSE

Danny Whitten

Em 1975 uma canção estourou nas paradas no mundo todo com Rod Stewart, era “I Don’t Want To Talk About It” do álbum Atlantic Crossing. Quem curtiu a música e era curioso o bastante, descobriu que seu autor era um tal de Danny Whitten. 

Whitten era simplesmente o guitarrista da banda Crazy Horse que apoiou Neil Young por toda sua carreira. Whitten além de guitarrista, cantava e tinha sensibilidade bastante para compor pérolas como essa. 

A versão de Rod Stewart é boa, mas ficou manjada e talvez datada, mas ao se ouvir a versão do Crazy Horse, mesmo hoje, no álbum de mesmo nome de 1971, com o próprio Whitten cantando e tocando...é de arrepiar! 

O excelente álbum Crazy Horse, de 1971

A canção soa mais íntima e sofrida como um blues. Sem dúvida supera a de Rod Stewart e mesmo assim, na época, não teve o reconhecimento que merecia. Whitten apesar de muito talentoso e criativo, era um jovem frágil e imaturo e tentava compensar suas fraquezas com as drogas, o que se tornou sua ruína. 

O engraçado é que em 1971, Whitten já tinha a música pronta e teve uma certa dificuldade de finalizar a letra, o que conseguiu mesmo debilitado com a ajuda de outro guitarrista Nils Lofgren. A gravação finalmente aconteceu e deu no que deu, com o apoio de Ry Cooder deslizando o slide com Whitten e Nils nas guitarras acústicas, uma obra de arte! 

Danny Ray Whitten faleceu em novembro de 1972 por overdose e não pode curtir sua obra estourar nas paradas três anos depois. 

Neil Young entrou em parafuso com a notícia do falecimento do talentoso guitarrista de sua banda de apoio, ele sabia que além do amigo perdera um músico genial. 

Recomendo a quem ainda não tem, adquira o álbum de estreia do Crazy Horse de 1971, um disco perfeito graças ao talento de Danny Whitten, sem exageros.

Neil Young com o parceiro talentoso, Danny Whitten

I Don't Want To Talk About It - Danny Whitten

I can tell by your eyes that you've probably been crying forever,

and the stars in the sky don't mean nothing to you, they're a mirror.

I don't want to talk about it, how you`ve broken my heart.

If I stay here just a little bit longer, If I stay here,

won't you listen to my heart, ohh my heart?

If I stand all alone, will the shadow hide the color of my heart;

blue for the tears, black for the night's fears.

The stars in the sky don't mean nothing to you, they're just a mirror.

I don't want to talk about it, how you broke my heart.

If I stay here just a little bit longer, if I stay here,

won't you listen to my heart, ohh my heart?

My heart, ohh my heart, this old heart.

I don't want to talk about it, how you´ve broken my heart.

If I stay here just a little bit longer, if I stay here,

won't you listen to my heart, ohh my heart?

My heart, ohh my heart.

Eis o link do you tube para você apreciar "I Don't Want To Talk About It" com o Crazy Horse:

http://www.youtube.com/watch?v=VXZLG4NmtxU

e a versão com Rod Stewart:

http://www.youtube.com/watch?v=Azcy9_F0DCE 

Por Eumário José Teixeira.